Saludos impaciente lector,
Después de un largo periodo de
inactividad en nuestras metas sonoras, Felipe nos trae el reto que todo blog
musical debe tener en algún momento: Discos conceptuales. "¡¡Pero
de esto ya está todo escrito!!" -pensaréis-. Es posible pero no de nuestra
mano así que siéntense, cojan sus gafitas de lectura, enciendan su equipo de
sonido y prepárense para un crucero por historias de amores, asesinatos,
accidentes, extraterrestres y demás situaciones de la vida cotidiana. Bon voyage!
1. Sgt Pepper`s Lonely Hearts Club Band. The
Beatles (Parlophone, 1967). Considerado por muchos como uno de las expresiones
artísticas más influyentes de la cultura occidental, posee la etiqueta de
primer álbum conceptual de la historia pese a que esto se basa, en gran medida,
a que sus canciones están unidas sin silencios intercalados. La idea inicial
era que Los Beatles adoptasen el papel de personajes ficticios, el “Lonely
Hearts Club Band”, y esto sería el nexo de unión a lo largo de la obra. Sin
embargo, la mayoría de las canciones no tienen relación con este tema y los
personajes ficticios apenas quedan desarrollados. Lo que es innegable es que el
impacto que este trabajo tuvo en el mundo de la música y la cultura añadió el
término "conceptual" como una etiqueta de la calidad de un álbum. La
famosa portada de Peter Blakey
muestra a los de Liverpool, rodeados por más de 50 celebridades, y vestidos con
la vestimenta de los personajes que "interpretan" en el disco.
2. Tommy. The Who (Polydor, 1969). Este
álbum sí que luce (junto con el Days of future passed (Deram, 1967) de The Moody Blues) la insignia de ser el primer
álbum en el que desarrolla una historia a lo largo de sus cortes. Se trata de
la primera de las óperas rock que escribirían los británicos cuya idea central
gira entorno a Tommy, el hijo de un capitán de las fuerzas armadas británicas
de la primera guerra mundial, que con cuatro años es testigo de cómo su padre
asesina a su madre y al amante de ésta. Este traumático hecho hace que Tommy se
vuelva repentinamente ciego, mudo y sordo, sufriendo a lo largo de su vida todo
tipo de calvarios hasta que el pinball, la máquina recreativa, y la ruptura de
un espejo hacen que salga de su oscuridad elevándole al estatus de gurú. Finalmente
es abandonado por sus seguidores, utilizado por su familia y Tommy acaba
refugiado en su interior y envuelto en sus fantasías.
3. The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars. David Bowie (RCA, 1975). El álbum narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina, que se convierte en estrella del rock y con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki (o esto dice la Wikipedia). Este personaje fue el primer alter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o El Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de La Tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un mesías para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.
4. Quadrophenia. The Who (Track Records, 1973). Quadrophenia es la segunda ópera rock del grupo, en cuya historia se alternan los sucesos sociales, musicales y psicológicos que afectan a un joven británico llamado Jimmy entre 1964 y 1965. El nombre de “quadrophenia” supone una variación del término popular que se usa para designar el cuadro médico de esquizofrenia como un trastorno de múltiple personalidad, para adaptarlo a un caso que refleja las cuatro personalidades de Jimmy, protagonista de la ópera. Cada una de las cuatro personalidades de Jimmy se encuentra asociada a uno de los cuatro miembros de The Who: Un chico terco (Roger Daltrey), un romántico (John Entwistle), un maldito lunático (Keith Moon), y un hipócrita (Pete Townshend).
5. The lambs lies down on broadway. Genesis (Charisma, 1974). Es una historia compleja, con múltiples escenarios e historias, todas relacionadas con Rael, un inmigrante puertorriqueño que intenta hacerse un nombre en las calles de Nueva York. El protagonista se ve metido en un extraño viaje para salvar a su hermano John, en el cual debe sufrir una serie de experiencias que lo ayudarán a trascender la experiencia terrenal y resurgir como un nuevo ser. Aunque la historia aparece en formato prosa en el forro del disco, ni la letra ni la historia parece muy clara, con lo que las interpretaciones del disco pueden ser múltiples. Para muchos uno de los trabajos más ambiciosos de Génesis, que además marcó el final de la era dorada del rock progresivo.
6. Animals. Pink Floyd (Harvest, 1977).
El disco está basado en la fábula política de George Orwell, Rebelión en la granja (1946), donde los
distintos estratos de una sociedad están representadas a través de diferentes
animales: perros como los representantes de la ley, cerdos como implacables
mandatarios y ovejas como peones descerebrados. Mientras la novela se enfoca en
el comunismo, Pink Floyd lanza una crítica directa al capitalismo y, a pesar de
que ambos abogan por los ideales del socialismo democrático, el álbum difiere
en que al final las ovejas se rebelan para dominar a sus opresores. La canción Sheep contiene una versión modificada
del Salmo 23 donde las epónimas
ovejas se rebelan y matan a los perros, aunque luego se retiran a sus casas.
7. The Wall. Pink Floyd (Harvest, 1979). Este disco doble retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another brick in the wall Parte 1 y 3), la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la educación británica (Another brick in the wall Parte 2), los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., todo es convertido por él mismo en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.
8. Nostradamus. Judas Priest (Sony, 2008).
Décimo sexto álbum de los británicos, último que grabaría el guitarrista K. K. Downing y que gira en torno a la
vida y los tiempos del profeta Nostradamus.
Se trata de un disco doble, donde se detallan las profecías del escritor sobre
el futuro y el fin del mundo que finalmente acaban por conducirle al exilio, ya
que fue acusado de herejía al considerarse que la información de sus textos
procedía del mismo demonio, mientras que tras su muerte, el mundo se da cuenta
que él estaba en lo correcto.
9. Kid A. Radiohead (Parlophone, 2000). Pese a aparecer en diversas listas de discos conceptuales, no está nada claro el significado que la banda pretendía dar. Thom Yorke, cantante de Radiohead, afirmó que sin tener ningún concepto concreto en mente, este álbum trata en parte acerca "de la generación que heredará la Tierra cuando nosotros hayamos acabado con todo" visto desde un punto de vista de crítica al capitalismo. La banda afirmó haberse visto influenciada por el libro No Logo. El poder de las marcas (2000), de Naomi Klein, en el que profundiza sobre el papel de las marcas en nuestra sociedad.
10. Los Jaivas. Alturas del Machu Picchu (CBS, 1981). Banda legendaria del rock sinfónico chileno, y latinoamericano en general, que presenta esta obra conceptual con los poemas que Pablo Neruda había escrito en 1947, (excepto por el tema de inicio Del Aire al Aire compuesta por Alberto Ledo). Alturas de Machu Picchu es el séptimo álbum de estudio de la banda y probablemente el más importante y popular de toda su discografía. En él, el grupo musicaliza el popular poema de Neruda, del mismo título, aparecido en su libro Canto general, de 1950. En este poema, el poeta canta, subyugado por la grandeza de la creación humana que él atestigua en las ruinas de Machu Picchu, en Perú, sobre el glorioso pasado indígena de América Latina, las miserias humanas, la muerte y el dolor que la majestuosidad a menudo causa en quienes la forjan. El poema es uno de los más trascendentes de la poesía de Neruda, y su musicalización por parte de Los Jaivas ha sido considerada como magistral y fiel al contenido de la obra original.Bendita wikipedia
Felipe
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