Villanos melómanos

El ser humano no solo tiene la costumbre de entrar en alerta ante peligros como pueden ser la presencia de un depredador u otra situación de riesgo evidente, sino que también lo hace ante determinadas sonoridades. Por esto, es común que en las bandas sonoras de las películas de terror, o en las escenas de violencia explícita, campen a sus anchas expresiones tan acechantes como métricas asimétricas, tonalidades menores, o uso de patrones disonantes como el famoso tritono (que incluso la iglesia llegó a prohibir en la edad media ante el peligro de que su ejecución pudiese invocar al diablo). Pero aunque estos sonidos advierten al espectador de la llegada de un momento delicado, el sadismo de algunos directores de cine se ha esforzado en hackear esta línea de defensa natural, colándonos escenas violentas o terroríficas acompañadas de melodías que, sobre el papel y por sí solas, no suponen ninguna amenaza.

Hoy celebramos el día del miedo, de los muertos o de las almas descarriadas, con un especial en el que repasaremos canciones que han participado en asesinatos, torturas y palizas, haciendo distanciarse al espectador de los salpicones de sangre, casquería variada o fenómenos paranormales con malas intenciones, a través de unos cuantos fragmentos peliculeros donde la crueldad no está reñida con el gusto musical.

Patrick Bateman (Christian Bale) gozando con Huey Lewis and The News,
 en American Psycho

En el cine, el uso de acompañamientos musicales fuera del foco de tensión tiene como misión aislar al espectador y distorsionar su percepción de un momento que visualmente pueda ser grotesco, pero musicalmente divertido o hermoso, potenciando así su sensación de terror o repulsión hasta convertir la experiencia en algo especialmente chocante para los sentidos.

Metiéndonos en faena, en la novela La naranja mecánica de Anthony Burgess, su protagonista Alex DeLarge se presenta como un psicópata encantador amante de la buena música. Tal es así, que entre acto de ultraviolencia y acto de ultraviolencia, el retorcido código moral de Alex siempre guarda un lugar especial para recrearse en la belleza de la obra de Beethoven hasta el punto de que “El viejo Ludwig Van”, como le apoda el propio Alex, es fuente de inspiración para un sinfín de atrocidades. Una pequeña muestra de la pasión por los sonidos bien puestos de este personaje, quedó retratada en la adaptación cinematográfica que en 1971 hizo el director Stanley Kubrick cuando Alex y sus drugos asaltan una casa y torturan a sus habitantes mientras entonan alegremente el célebre I’m singing in the rain que haría famosa Gene Kelly en la película Cantando bajo la lluvia.

Pero si hablamos de la psicopatía en manos de alguien con exquisitos modales y educación, debemos hablar del Dr. Hannibal Lecter. Este personaje de ficción, creado por el novelista Thomas Harris para la novela El silencio de los corderos, tuvo en la piel del actor Anthony Hopkins el reconocimiento como uno de los psicópatas más despiadados y refinados del cine, en la versión homónima en la gran pantalla realizada por Jonathan Demme en 1991. Como ocurriera con Alex de La naranja mecánica, el Dr. Lecter destaca por ser un amante del arte, la música clásica y la buena cocina (sin despreciar en ella la carne humana), y aunque las referencias a su amor por la música son varias en las películas que componen la saga (inolvidable el momento en el que se prepara para asesinar a sus carceleros escuchando las variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach), para el fin que nos ocupa rescatamos una escena en la que Lecter no es el protagonista principal, sino que lo es James Gumb, también conocido como Buffalo Bill: un asesino por el que Hannibal Lecter es consultado en la cárcel por el FBI para lograr atrapar, y que vive obsesionado con convertirse en mujer, para lo que secuestra y mata a mujeres con el objeto de hacerse un traje con su piel. Para el primer hito de esta entrada, tomamos prestada la icónica escena empapada de melancolía y terror en la que el actor Ted Levine en el papel de Buffalo Bill baila delante del espejo la canción Goodbye Horses, de Q Lazzarus, mientras su última presa trata de escapar desesperadamente de un pozo donde está retenida. 

Buffalo Bill (Ted Levine)baila al ritmo de Q Lazzarus, 
en El silencio de los corderos
(clic sobre la imagen para ver la escena)

Y es que en la gran pantalla, un asesino capaz de sumergirse por completo en la música para emocionarse y encontrar la belleza en su escucha, mientras hace lo que un asesino debe hacer, resulta un personaje aún más perturbador. En este espectro de incomodidad distinguimos otro corte del séptimo arte cuya música lo hace deliciosamente aterrador. Transcurre en la adaptación de la primera novela de la saga Millennium, Los hombres que no amaban a las mujeres, del escritor sueco Stig Larson en la versión llevada al cine por David Fincher, cuando el villano Martin Vanger (Stellan Skarsgård) acciona el play del equipo de sonido situado en los sótanos de su mansión, para que suene la cautivadora Orinco flow de la compositora irlandesa Enya, justo antes de ponerse en faena ejerciendo el antiguo arte de la tortura del periodista Mikael Blomkvist (Daniel Craig). Todo ello, en un ambiente de gélida y pulcra higiene, luz blanca y soledad...o no del todo.

Martin Vanger (Stellan Skarsgård) escuchando Enya,
 en Los hombres que no amaban a las mujeres

Siguiendo con gente demasiado ordenada para ser de fiar, vamos con otro que tampoco era lo que sus compañeros de trabajo pensaban de él. Y si no, que se lo digan al papel interpretado por Jared Leto en American Psycho (cinta basada en la novela homónima de Bret Easton Ellis) quien es salvajemente asesinado por su colega Patrick Bateman (Christian Bale) en el lujoso apartamento neoyorkino de este último, y en una de las escenas más cómicamente sangrientas del cine. Paul Allen (Jared Leto) se encuentra ebria y cómodamente sentado en el sofá de la casa de Bateman (aunque rodeado, eso sí, de papel de periódico en el suelo y sábanas que cubren los muebles de la estancia) mientras su anfitrión le describe sin ahorrar en detalles las bondades del tema que suena en esos momentos en el ostentoso reproductor, que no es otro que Hip to be square de Huey Lewis and The News. De repente, Bateman se enfunda un chubasquero, se viene arriba, y tras pasar por el aseo donde guarda la herramienta, siempre sin perder el ritmo de la animada cancioncilla, desata su ocio psicópata por hincar hacha en cuerpo ajeno sobre su invitado. Desternillante.

Ese punto hilarante que despiertan escenas como esta, nos abre el camino para despejar la mente con momentos un poco más divertidos. Por ejemplo, el que protagonizan Dan Aykroyd y Albert Brooks en los primeros minutos de la película The Twilight Zone, cuyo desarrollo resumiremos de la siguiente manera: el prólogo de la cinta comienza con ambos actores canturreando el Midnight Special de Creedence Clearwater Revival, mientras conducen a oscuras por una carretera en medio de la nada, continua con un “¿Quieres ver algo realmente aterrador?”, y finaliza con la transformación de uno (Dan Aykroyd) en criatura demoníaca, y muerte del otro (Albert Brooks). Y empieza la peli.

Pero la joya de la corona de la sección motorizada, se la lleva la escena inicial de La matanza de Texas II. Ya saben, esa familia de Texas con problemas de inserción y canibalismo que a punta de motosierra no logra insertarse del todo en la sociedad, y que ha ido sembrando cadáveres desmembrados por el condado tejano a lo largo de una saga de (hasta el momento) nueve películas. En el comienzo de esta secuela de 1986 dirigida por Tobe Hooper, de lo que ya era todo un clásico del cine de terror estrenado trece años antes, se ve a un par de adinerados niños de papá, disparando y bebiendo mientras viajan en coche con destino a una fiesta. Para hacer la gracia llaman a la radio local K-OKLA ocupando la línea con estupideces, pero mientras toman el pelo a la locutora Vanita Brock (Caroline Williams), encuentran en un puente una ranchera que les corta el paso. Desde este momento las risas pasan a ser gritos ya que los ocupantes del segundo vehículo no son otros que la sierra mecánica de Leatherface y su familia de psicópatas, que les persiguen a ritmo de No One Lives Forever del grupo de rock de Danny Elfman Oingo Boingo, que es el bailable que en ese instante del viernes noche está siendo pinchado por la emisora, y que acaba por ser la banda sonora del asesinato de los dos jóvenes. Bienvenidos a Texas. 

Vanita Brock (Caroline Williams) pinchando música
un viernes noche en Texas, (en TE XAS)

Siguiendo el rastro de canciones desinhibidas que acompañen alguna otra masacre, damos con la secuencia de la cinta de terror Us de Jordan Peele, en la que una familia entera es asesinada por sus dobles, eso sí, con “Buenas vibraciones” de fondo. Me explico: En el instante que citamos, Kitty (Elisabeth Moss) le echa en cara a su marido Josh (Tim Heidecker) que su altavoz inteligente activado por voz llamado Ophelia ha puesto el Good Vibrations de los Beach Boys demasiado alto. Mientras discuten, los dobles de la familia (que de eso trata el argumento), aparecen y los apuñalan sin escatimar en cortes. Da cosica. Pero no contentos con esto, la situación se retuerce "humorísticamente" un poco más, cuando sangrando en el suelo Kitty le pide al altavoz Ophelia que llame a la policía, a lo que Ophelia malinterpreta la orden y en su lugar pone Fuck Tha Police del grupo NWA. No entra en el Top 5 por pasarse de frenada, pero tiene su gracia.

Alguien que sí supo ver mejor la ironía de una escena desagradable, no exenta de humor, fue el director británico Guy Ritchie quien en su estupenda Snatch. Cerdos y diamantes del año 2000, encajó Lucky Star de Madonna (con quién, por cierto, tenía en esos momentos una relación sentimental) en la escena en la que Tony “Dientes de Bala” (interpretado por el mitad futbolista, mitad camorrista, y una pequeña parte actor, Vinnie Jones) engancha a un pobre diablo de poca monta llamado Mullet (Ewen Bremner) encajando su cuello por el exterior de la ventanilla del coche que conduce Tony, y haciéndole trotar con el vehículo en marcha mientras le saca información. Cuando la cosa va tomando velocidad, Tony le pide a su acompañante Avi Denovitz "El Primo” (Dennis Farina) que ponga música mientras a la víctima de los sucesos comienza a faltarle el aire, y es entonces cuando suena el Lucky Star. “Me encanta este tema”, se alegra Tony.

Mullet, Tony y Madonna en Snatch. Cerdos y diamantes

Y es que el mundo gangsteriano siempre ha gozado de un ritmo especialmente desarrollado para escenas violentas. En la película Sugar Hill por ejemplo, un drama ambientado en un suburbio neoyorkino protagonizado por Wesley Snipes, dirigido por el cubano Leon Ichaso, y no mucho más recomendable salvo por bellos pasajes como el que vamos a citar, dos traficantes cantan a capela en las afueras de la ciudad, en plena noche de invierno, un emotivo tema de Teddy Pendergrass llamado Love T.K.O., mientras sentidamente disparan en distintas partes del cuerpo de un (también sentido) miembro de una banda rival tendido a sus pies.

Algo más refinada, y memorable, es la escena del clásico Uno de los nuestros de 1990, dirigida por Martin Scorsese, en la que Joe Pesci y Robert De Niro matan a patadas a un gánster en el interior de una sala, sobre la dulce balada Atlantis del cantante Donovan. La secuencia comienza con un bar repleto de gente que se saluda amigablemente, y una canción de The Crystals (He’s sure the boy) ambientando el local, cuando uno de los mafiosos presentes, Billy Batts (Frank Vincent), falta el respeto a Tommy Devito (Joe Perci) quien se ve profundamente ofendido. Pasado el rato, con el bar ya casi vacío, y mientras Billy Batts charla con Jimmy Conway (Robert De Niro), Tommy Devito se acerca por detrás, tumba a Batts y junto con Conway, le apalean hasta matarlo a golpes en una escena filmada desde el suelo, con las caras de De Niro y Perci escupiendo desprecio con la música de Donovan de fondo. 

Grabación de la muerte de Billy Batts,
en la película Uno de los nuestros, por Barry Wetcher

De aquí no podemos bajar, así que finalizamos este homenaje al séptimo arte y sus curiosidades sonoras, con la madre de todas las escenas: Stuck in the middle with you, de Reservoir Dogs. Ópera prima de Quentin Tarantino, relata de forma no lineal las desventuras de una banda de ladrones (quienes se identifican entre ellos por el alias de un color) que es contratada para llevar a cabo el atraco en un joyería. Además de haberse convertido en una película de culto por derecho propio, esta obra posee uno de los momentos más icónicos del cine de los años noventa en la escena de la tortura al policía Marvin Nash (Kirk Baltz) por parte del Sr. Rubio (Michael Madsen), un psicópata con el que dejan al policía en un almacén abandonado al sospechar que el atraco sale mal (porque sale mal) por un chivatazo de alguien. El Sr. Blanco (Harvey Keitel) y el Sr. Rosa (Steve Buscemi) habían iniciado la ronda de preguntas y torturas, pero cuando el policía queda a solas con el Sr. Rubio, este pone la radio, y lo tortura maniatado (cortándole una oreja) mientras canta y baila la canción del grupo escocés Stealers Wheel, Stuck in the middle with you. Nada que añadir.

Sr. Rubio, Sr. Blanco y Sr. Rosa, tres tipos contentos,
(y otro no tanto), en Reservoir Dogs

FIN

(o quizás no)

MATERIAL EXTRA:

Al comienzo de esta entrada anunciábamos a bombo y platillo que en la programación disfrutaríais de canciones que hubiesen participado en secuencias de terror, pero lo cierto es que la rama del thriller se ha llevado casi toda la atención. Por eso, y fuera de la competición oficial, hacemos hueco para hablar de una particularidad del tema que hemos venido a hablar: el uso de canciones “antiguas” incrustadas en el cine de canguelo. Nos referimos a composiciones de principios del siglo XX cuyo empleo es otro recurso común a la hora de acongojarnos con algo que no debería asustarnos...o sí. 

La causa de que nuestra psique no oiga con buenos oídos este tipo de tonadillas parece estar enraizada en lo que se conoce como disonancia cognitiva, y que no es otra cosa que la incomodidad que siente nuestra mente al notar que esa melodía no debería estar ahí. Esta treta, ya más que asentada en nuestra cultura fílmica, juega con la contradicción de la inocencia de canciones que evocan alegrías o penas de tiempo pasados, pero que recibimos como algo imprevisible, lo que crea una atmósfera perturbadora.

Un ejemplo que evidencia lo que acabamos de escribir, se da de lleno en la película Insidious, del director James Wan, en la que (y por ponernos en situación) una familia que acaba de mudarse a una casa con solera de terror ve como uno de sus hijos entra en un inexplicable coma. Ingredientes más que vistos, a lo que se añade “una presencia” que pulula por el nuevo hogar y que parece fascinada con la canción popular Tip toe thru' the tulips with me compuesta originariamente en 1929 por Al Dubin y Joe Burke. Pero lo que aterra realmente en la película, es la versión que suena de 1968 y cantada por Tiny Tim, un personaje peculiar de apariencia infantil (aunque de 1,85m de altura), y cuyas interpretaciones del cancionero popular estadounidense venían presentadas en voz de falsete y acompañadas de ukele, lo que puede convertir una tarde de juegos en un parque en primavera en algo espeluznante. Y si no, vean en la película como cambia el ambiente cuando “algo” pone su canción preferida en el tocadiscos.

El bueno de Tiny Tim con su ukelele, por Bob Aylott

Este toque inocente o infantil de la música despierta la percepción de un bien y un mal no muy definidos, lo que también ayuda a crear en el oyente cierta inquietud. Un ejemplo mítico es la canción Mr. Sandman que retorcidamente acabaría siendo utilizada en la saga de terror Halloween, concretamente en la segunda entrega de la franquicia dirigida en 1981 por Rick Rosenthal, a la vez que escrita y producida por John Carpenter y Debra Hill. “Señor Sandman, tráigame un sueño", clamaban The Chrodettes en su grabación de 1955 deseando que les llegase el hombre ideal, sin saber que la misma interpretación serviría como comienzo (y final) de la cinta Halloween II, como recuerdo de un instante en su predecesora donde Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) y sus amigas niñeras hablaban de los chicos de sus sueños, dejando fuera (suponemos) al asesino Michael Myers.

Pero el impacto del tema Mr. Sandman en el género de la música de terror ha sido tal, que incluso ha sido homenajeado de formas diversas en otros largometrajes. Por ejemplo, destacamos la no muy afortunada (pero cómica) 8 Cabezas, dirigida por el que fuera guionista de El Club de los poetas muertos, Tom Schulman (y a quién le acompañaban los productores de Dos tontos muy tontos), que utiliza el guiño a Mr. Sandman para poner banda sonora a una paranoica pesadilla que sufre el protagonista de la película, Joe Perci, quien en la trama es el encargado de transportar un cargamento de cabezas cortadas hasta un jefe mafioso. 

Concierto a 8 cabezas, en 8 Cabezas

Dentro de las canciones que han sido arrebatadas de la idea inicial para la que fueron creadas, el jazz también ha sufrido secuestros. Jeepers Creepers fue tema escrito en 1938 por Harry Warren y Johnny Mercer para la película Going Places, y la interpretación de Louis Armstrong, pero en 2001 la misma composición pasó a la reputación de espeluznante debido a su aparición en la cinta de terror homónima del director Víctor Salva, como sintonía de las apariciones de la Criatura (Creeper o Demonio) que la protagonizaba, y responsable principal de los sustos del film. Aunque la expresión “Jeepers Creepers” viene a ser en inglés un grito de sorpresa, en la citada saga adquiere un apropiado significado derivado de que el tal Creeper hiberna por veintitrés años y despierta veintitrés días, solo para alimentarse de partes humanas de las que recibe sus respectivos atributos. De ahí lo de "Jeepers Creepers, ¿de dónde sacaste esos ojos?".

Y llegamos al final de esta entrada con otro clásico de terror sutil, esta vez con el acompañamiento del tema Midnight, the stars and you, escrito en 1934 por Harry M. Woods e interpretado por Ray Noble And His Orchestra con la voz de Al Bowlly, y que disfrutamos en los instantes finales de la adaptación que en 1980 hizo Stanley Kubrick de la obra El Resplandor de Stephen King. Aunque la misma melodía suena cuando el protagonista Jack Torrance (Jack Nicholson) entra por primera vez en el salón principal del hotel Overlook (al que Torrence se ha mudado junto a su familia para guardarlo en los meses de invierno en los que éste permanece cerrado) en el momento en el que parece celebrarse una fantasmagórica fiesta de disfraces, Midnight, the stars and you es famoso por poner música, tras la muerte de Torrence, a la escena en la que cámara recorre los pasillos del hotel hasta dar con una fotografía en el vestíbulo del hotel de la fiesta del 4 de julio celebrada allí en 1921 y donde parecen haberse reunido todos los fantasmas de las víctimas atrapadas en el hotel, con un Jack Torrence sonriente en el centro de la imagen.

Jack Torrance (Jack Nicholson) "a solas"
en el bar del Overlook, en El Resplandor

FIN

(ahora sí)